7 años desde que comenzó la guerra en Siria, 7 años de bombardeos, pobreza, migración, muertos…7 años, que aún siguen. Y que los artistas Kevork Mourad y Kinan Azmeh quieren dejar de relieve, combinando sus dibujos y clarinete en su obra Home Within.

La guerra en Siria se ha cobrado más de 500.000 vidas y ha desplazado a más de 11 millones de personas. Ante esta situación, estos artistas sirios no se han quedado de brazos cruzados.

En lugar de eso, decidieron unirse. Crear algo juntos. Así, fusionaron el clarinete de Kinan y los dibujos de Kevork, dando lugar a la obra Home Within. Una obra muy emocional en la que los artistas muestran las historias de familias que han sufrido la guerra a través de dibujos al son de un clarinete.

“El arte que hago no para una bala, no trae la democracia a Siria, no devuelve a aquellos que han muerto… pero da una razón por la que vivir.” – Kinan Azmeh

“Home Within” cuenta historias. Historias de familias. De niños. Historias únicas, que vistas bajo una perspectiva global, forman la historia de todo un país. Un país, con un futuro incierto.

Desde su creación hace 7 años Home Within ha ido evolucionando junto con la guerra. Durante ese tiempo, la obra ha recorrido Europa y América del Norte, mostrando los estragos que está causando la guerra en Siria… y sirviendo como medio para que la gente done por ayudar a esa causa.

En definitiva, Home Within es un claro ejemplo de que la música y el dibujo, son mucho más que brochazos y acordes. Son herramientas capaces de hacer empatizar a las personas. De conmoverlas. De cambiarlas. Y así, cambiar las situaciones.

Jeroen Koolhaas y Dre Urhahn, fundadores de Favela Painting, decidieron transformar la favela de Villa Cruzeiro en Rio de Janeiro. Así, pretenden cambiar la visión de las favelas, mostrando su cara más humana.

Todo surgió al conocer la historia de las Favelas. Estas, famosas por la violencia, son en realidad casas hechas, de manera artesanal, por soldados brasileños. Es por ello que muchas parecen inacabadas. Pero, ¿cómo serían las favelas si todas fuesen pintadas?

Con esa idea en mente, se pusieron en contacto con una ONG, y empezaron a pintar las casas de aquellas personas que querían. De este modo, hicieron su primera obra: el chico de la cometa azul.

El chico de la cometa azul - Favela Painting

Foto de la primera obra de Favela Painting: el chico de la cometa azul.aA

La noticia tuvo eco a nivel local, pero también internacional. Parecía que pintar las favelas si les podía dar una imagen diferente. Así que siguieron adelante.

Esta segunda vez hicieron las cosas de forma diferente. En vez de pintar favelas, decidieron pintar unos muros de hormigón que evitaban derrumbamientos.

Un año después, terminaron su obra. Donde antes se alzaba un horrible muro de hormigón, ahora era un río con estilo japonés. La obra, una vez más, fue todo un éxito.

Tras ese año viviendo en las favelas, conocieron a las familias que viven ahí y se dieron cuenta de una cosa. Hacía falta más arte. Porque el arte servía para transmitir la cara amable de las favelas. Cara que, la gente que no ha convivido con las personas que viven en las favelas no conoce.

Así pues, siguieron pintando. Pero, esta vez, con obras diferentes. Si querían pintar todas las favelas, tenían que ser más rápidos.

Por eso, decidieron que el arte debería ser más simple, pero igual de colorido. Esto les permitiría pintar más casas al mismo tiempo y, en definitiva, llegar a más gente.

Un mes después, lograron transformar la plaza de Santa Marta, pasando de unas casas normales, a ser casas con vida.

Plaza de Santa Marta después de ser pintada por Favela Painting

Plaza de Santa Marta después de ser pintada por Favela Painting

Desde entonces, Jeroen Koolhaas y Dre Urhahn fundaron la Favela Painting Foundation, mediante la cual ayudarían a comunidades de todo el mundo a recuperar su espíritu a través de la pintura.

De esta forma, empezaron a pintar las fachadas de muchas más ciudades. El barrio más pobre de Filadelfia, Haiti… todas las ciudades en las que pintan tienen problemas. Pero, gracias a sus pinturas, les dan una nueva vida.

Porque el arte y la cultura, en este caso la pintura, es mucho más que un simple color encima de una superficie. Es emoción, es sensación, una forma de expresarnos, de demostrar cómo somos.

Todo empezó con 15 años. JR hacia grafitis en los tejados de París con sus amigos. Cada salida era una aventura. Cada grafiti era una muestra de que él había estado ahí.

Con la idea de guardar en la memoria esos momentos, JR empezó a fotografiar e imprimir sus salidas. Y ahí es cuando todo empezó. Y es que, con 17 años, empezó a hacer sus primeras exhibiciones, pero, en una galería totalmente diferente: la calle.

Sidewalk galley JR

Una de las galerías en la calle de JR.

En noviembre de 2005, las noticias se hicieron eco de “las revueltas multitudinarias en las calles de París”. Y ahí lo vio, el cámara enfocaba a una de sus obras realizada años antes. Una foto en la que aparecían conocidos suyos, con pinta desafiante, aunque en realidad no lo fuesen.

Imagen que se hizo eco en Francia, juzgando a las personas de la foto como alborotadores.

Así que, cámara en mano, se dirigió hacia esa misma gente para fotografiarlos. Pero, esta vez, de una forma diferente. Esas mismas personas pondrían caras de “bestias”, caricaturizando las palabras que recibían de los medios.

Esas fotos, las pegó por todo París, junto con el nombre y la edad de estas personas. La idea era que la gente se diese cuenta de que esas personas que estaban “demonizando” eran, en realidad, como ellos.

La exhibición surtió efecto. Los medios de comunicación se hicieron eco de las imágenes y, un año más tarde, se pegaron en el Ayuntamiento de París. Ahí es cuando JR se dio cuenta del poder que esconde una foto.

Desde entonces, JR ha viajado por todo el mundo, con diferentes proyectos, usando la fotografía como herramienta para ayudar a visibilizar las problemáticas sociales de cada territorio.

Por ejemplo, con el proyecto Face To Face, JR demuestra que no hay diferencia en las personas de Palestina e Israel. Para ello, coloca imágenes de palestinos e israelíes con la misma profesión uno al lado del otro en ambos territorios.

Obra de JR en Palestina

Una de las obras de JR en Palestina e Israel para demostrar que son iguales.

Con el proyecto “Women are heroes”  pretende empoderar a las mujeres en países en vías de desarrollo. Para ello, anima a que los hombres de países como Brasil, Camboya, Kenya o Sierra Leona, peguen fotos de mujeres por toda la ciudad.

Estos son solo algunos de los proyectos del artista JR, entre los que se encuentra Inside Out, del cual ya hablamos.

En definitiva, JR nos demuestra que la fotografía puede ser una herramienta para hacer el mundo más humano y conseguir, con ello, un cambio. Y es que,  el arte y la cultura tienen poder transformador, solo hay que enfocarlos de la manera adecuada.

 

Cuando pensamos en esculturas, muchas veces pensamos en bloques enormes de piedra,  esculpidas con cincel… Un David de Miguel Ángel en toda regla, vaya. Nada más lejos de la realidad, la escultura es mucho más que eso. Es más, la escultura no tiene límites. Eso mismo demuestra Salavat Fidai con sus esculturas talladas en lápiz.

Tras 25 años trabajando como abogado, la crisis económica en Rusia hizo que Salavat Fidai perdiera su trabajo. En ese momento, decidió pasar del bolígrafo de oficina al lápiz, pero desde una perspectiva completamente diferente. Haría miniesculturas en los lápices.

Así, Salavat Fidai nos muestra que el arte no tiene límites y que, hasta algo tan común como un lápiz, es un mundo de posibilidades. Solo hace falta mirarlo con los ojos adecuados.  Bueno, y en su caso una lupa y un cúter.

Con esas herramientas, su creatividad y destreza, Salavat Fidai es capaz de crear maravillas como estas:

Actualmente, Salavat tarda entre seis y doce horas en hacer una estatuilla promedio. Aunque, cómo no, no todas salen a la primera. Y es que, el nivel de precisión con el que talla las figuras lleva a que tenga que repetir las esculturas en repetidas ocasiones hasta lograr la escultura final.

Hoy en día, sus mini esculturas son mundialmente conocidas. Entre sus obras, se encuentran esculturas de trenes en miniatura, representaciones de los protagonistas de Juego de Tronos y esculturas de iconos mundiales como la Torre Eiffel o la Estatua de la Libertad.

En definitiva, Salavat Fidai es un claro ejemplo de que con creatividad, paciencia y perseverancia, todo se puede.

https://youtu.be/Tx2ZVFDtThk

Caracas hace 43 años no era un lugar idóneo para el crecimiento de muchos niños. Las calles, escuela para muchos niños y niñas, era el lugar donde la violencia y las drogas eran el pan de cada día. Sin duda, un escenario poco esperanzador.

José Antonio Abreu, consciente de dicha problemática, se propuso cambiar la situación como mejor sabía: a través de la música. Por eso, formó una red de orquestas y coros que servirían como alternativa al entorno gris en el que crecían los chavales.

La música es un camino de rescate para la integración

En estos 43 años de vida, “El Sistema” ha dado educación a más de 2 millones de jóvenes en todo el país. Tres generaciones de artistas, de las capas más castigadas de la sociedad, a las que la música les ha cambiado la vida.

Ese es el caso de Gustavo Dudamel. Este venezolano entró con 4 años en “El Sistema”. Hoy, 33 años después, es director de la Orquesta Firlarmónica de Los Ángles, de la Sinfónica de Gotermburgo y de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar.

Pero, como Gustavo hay muchos más. Miles de personas hoy en día son distintos gracias a José Antonio Abreu, «El Sistema»  y lo más de 300 conservatorios que fundó.

En cualquier caso, el José Antonio Abreu se va, pero su legado sigue. Y nosotros debemos seguir con él. Porque, “la cultura para los pobres, no puede ser una pobre cultura”. Porque todavía hay mucho que hacer en este campo.

Gracias por todo, Maestro.

Soledad, tristeza, impotencia… son algunas de las sensaciones que muchos niños de hoy en día sienten debido al bullying. De hecho, de acuerdo con la iSafe Foundation, el 52% de los jóvenes dicen haber sido víctimas de bullying.

Por desgracia, este mal que tanto nos acecha no suele atajarse y muchas veces, termina en desgracia. Es más, el 80% de los jóvenes que se suicidan lo hacen, precisamente, por ser víctimas del bullying.

Para hacer frente a ese mal, desde la fundación Fair Saturday lanzamos la iniciativa Cuentos Contra el Bullying. Esta iniciativa busca que niños y niñas de 8 a 23 años reflexionen sobre el bullying y escriban un cuento al respecto.

Historias de personas que han sufrido bullying, que no han hecho nada o del propio acosador que harán abrir los ojos a jóvenes, padres, profesores y, en general, todo el mundo, de lo terrible que puede ser el bullying.

En esta primera edición del certamen, celebrado en Bilbao, más de 600 héroes invisibles han empuñado un lápiz contra este monstruo con cara de niño. 600 historias únicas, de las que se han seleccionado las 30 mejores para crear un libro. Un libro contra el bullying.

Pero no nos conformamos. Por eso, llevamos esta iniciativa también a Santander y Málaga (donde aún  podéis participar). Para dar voz a las historias de los jóvenes de estas ciudades. Para seguir luchando contra el bullying de la mejor forma que conocemos: mediante el arte y la cultura.

Y cómo no, con impacto social. Porque, además, tratamos crear conciencia entre los jóvenes de los distintos problemas que hay hoy en día y que se vinculen a uno de ellos. ¿Cómo? Cada niño o niña al escribir su cuento debe seleccionar un proyecto social. En caso de que resulte ganador, el premio de 100€ y los beneficios obtenidos con la venta del libro, se destinarán a dicho proyecto.

Actualmente, el libro de la edición de Bilbao se puede adquirir a través de nuestro Marketplace Solidarters o en diversas librerías de Bilbao, como la librería Campus o El Corte Inglés.

En definitiva, seguimos demostrando el poder transformador del arte y la cultura. En este caso, a través de los lápices empuñados por cientos de chavales.

Nosotros ya hemos dado el primer paso. Ahora te toca a ti.

Fundación Boteritos: Arte y cultura para gente con diversidad cognitiva

El arte y la cultura son clave para desarrollar las capacidades de los individuos. La fundación taller de Arte Boteritos parte de esta idea para ayudar a que personas con diversidad cognitiva desarrollen sus habilidades y se sientan integrados en la sociedad.

Todo comenzó hace ya 20 años en Cali, Colombia. Durante todo este tiempo, han ayudado y ayudan a cientos de jóvenes. Para ello, desarrollan varios programas:

  • El teatro. Realizan diferentes montajes teatrales, de diferentes obras, entre las que ha destacado la obra “Boteritos Circus y sus Muchachos Especiales”.
  • La música. En la cultura Caleña, la música tiene un lugar privilegiado. Por ello, la fundación Boteritos cuenta con la orquesta “Sonora Boteritos”.
  • Talleres de pintura, a través de los cuales se pintan segundos originales de obras famosas, que más tarde se exponen.
  • Clases de la danza, desde danza árabe a danza folclórica, para que los estudiantes se adentren vivan una experiencia de movimiento única.

La fundación lleva 20 años demostrando que el arte y la cultura son una herramienta muy útil para que las personas con diversidad cognitiva desarrollen sus habilidades artísticas, sus relaciones afectivas y, en resumen, se desarrollen para poder vivir con normalidad en un mundo injusto con ellos.

En definitiva, la fundación Boteritos es claro ejemplo del poder transformador que el arte y la cultura tienen en nuestra sociedad. ¡Viva Boteritos!

Desde su visita al Ártico, a Olafur Eliasson le quedó muy vívido en la memoria el desgarrador sonido y avistamiento de los inmensos bloques de hielo rompiéndose y desmoronándose de su conjunto. El Ártico, señala Olafur Eliasson, es el guardián del desorden climático.

Desde hace años, esta región ha estado enviándonos señales que no podemos evitar más. La comunidad internacional debe escucharlas y convertirlos en actos.

A partir de esta experiencia Olafur creó #IceWatchParis, una pieza creada durante el COP 21 en Francia. Una Brújula de Hielo creada a partir de 12 bloques de hielo macizo organizadas en un círculo de 20 metros, las 80 toneladas fueron recolectadas como icebergs flotantes en Groenlandia y se fueron derritiendo del 3 al 12 de diciembre de 2015 en la ciudad de Paris.

Un círculo es como una brújula. Deja la navegación a cargo de los que hay en su interior. Es un error pensar que la obra de arte es el círculo de hielo; es el espacio que nos brinda en su interior.

Olafur de 51 años de edad es un artista reconocido en las disciplinas de fotografía, cine, esculturas, instalaciones y arquitectura. Sus obras más reconocidas incluyen The weather Project (Londres) vista por más de 2 millones de personas, The New York City Waterfalls (Nueva York) y Contact (Paris). Sus obras destacan por salirse de la galería y mostrar en la ciudad y en el mundo social su visión del mundo.

En palabras de Olafur Eliasson: «como artista espero que mi trabajo conecte con las personas. Lo que logra que algo que puede llegar a verse como abstracto pueda hacerse realidad. El arte tiene la habilidad de cambiar la percepción y la perspectiva del mundo y Ice Watch hace que los problemas climáticos a los que nos enfrentamos sean tangibles. Espero que inspire a un compromiso compartido para realizar acciones concretas.»

En la familia de Parv Kaur la música siempre ha estado muy presente. Su padre, su tío y sus primos formaban parte de la banda de Banghra llamada Bhujhangy Group, una banda que tiene entre sus logros el haber sido pionera en la introducción de la música Bhangra (originario de la región de Panyab en el norte de la India y de Pakistán) en el Reino Unido y aparecer en el libro Guinnes de los records como “banda pionera en la música Bhangra”.

En los conciertos Parv permanecía en el backstage, lo que se convirtió en la oportunidad perfecta para que conociera los entresijos de lo que supone dedicarse a la música, algo a lo que de alguna manera sabía que siempre estaría relacionada. Con 14 años ya tocaba el teclado, el dhol y el dholki.

Cuando uno piensa en “Bhangra” se ve transportado a un mundo en el que abundan los vestidos de colores y la música y donde los hombres tocan los dhols que penden de sus cuellos mientras las mujeres bailan al son de esos ritmos.

“Las mujeres que tocan el dhol son muy, muy raras de ver”

Pero, ¿qué es exactamente el dhol y por qué es tan raro que una mujer lo toque y más aún que destaque haciéndolo? El Dhol es un instrumento de percusión ampliamente utilizado en la India que destaca por su gran tamaño y peso (un mínimo de 6 kg) así como por ser un instrumento que es difícil dominar. La industria de la música Bhangra está en su mayoría dominada por hombres. De hecho, antes, la sociedad tendía a mirar por encima del hombro a las mujeres asociadas con la música o las artes escénicas a nivel profesional. Parv Kaur decidió usar el dhol para derribar este tipo de estereotipos.

“Siempre he sido de las que se aseguran destacar entre la multitud. Por eso elegí el dhol. Es ruidosos, energético y grande. Yo quería la misma atención que los hombres estaban recibiendo. En esencia, yo quería que la gente reconociera que las mujeres también pueden hacerlo”

Con el objetivo de ganar reconocimiento e igualdad para las mujeres en la música Bhangra en 1999 comenzó su propia aventura con Eternal Taal, un grupo de danza y música Bhangra de West Midlands (UK) que inicialmente contaba con tan solo tres integrantes y en el que destaca la presencia de mujeres. Con sus actuaciones Parv Kaur está contribuyendo a la expansión de la cultura Punjabi y a la normalización de la presencia de las mujeres en la misma, tanto como asistentes como artistas.

“Recogí la mayoría de los instrumentos Punjabi que mi padre estaba usando pero me di cuenta de que no parecía que se vieran mujeres en esta industria. Tampoco había mujeres en los bolos a los que asistíamos; era parte de la cultura para las mujeres no acudir a los eventos festivos. Así que me empecé a preguntar ¿Dónde están las mujeres? Fue entonces cuando me enamoré del dhol y eso me motivó a iniciar clases de música”.

Parv se convirtió en la primera mujer británica en tocar el dhol, y su recorrido, pese al fuerte apoyo de su familia, no fue nada fácil.

Existe un gran estigma con respecto a las niñas y mujeres que muestran su pasión por la música encima de un escenario o públicamente. Yo adoraba tocar el dhol desde una edad muy temprana. No obstante, siempre tenía miedo de lo que la gente pensara de mi o si mi familia me apoyaría

A día de hoy, Eternal Taal ha pasado de contar con tan solo tres integrantes a contar con un grupo de mujeres percusionistas dhol,bailarinas de Bhangra, mujeres DJs y cantantes de sangeet. Es el resultado de la motivación de Parv por romper estereotipos y dar visibilidad a las mujeres en un mundo en el que su no presencia constituía la norma y no la excepción.

 

 

Más información en:

www.kenfolios.com

yourstory.com

www.eternaltaal.com

www.musicforall.org.uk

Danza, emociones y poesía para homenajear a todas las mujeres.

La compañía valenciana Maduixa, inicia su trayectoria artística en Sueca (Valencia) en el año 2004. Sus valores: conjugar el teatro, la danza, las artes plásticas, las nuevas tecnologías, una cuidada puesta en escena y una sólida interpretación.

MULÏER es un espectáculo de danza sobre zancos interpretado por cinco bailarinas. Ganador de dos premios MAX, premio al Mejor Espectáculo de Calle y Mejor Composición Musical. Unos de los reconocimientos más importantes en el mundo de las artes escénicas.

Danza por las mujeres

Fuente: Maduixa creacions

Este espectáculo es un homenaje a todas las mujeres que durante siglos y siglos de opresión han luchado para mantener vivo su yo salvaje, y que reclaman su derecho de bailar y correr libremente por las calles y plazas de la sociedad.

Habla de la naturaleza instintiva de la mujer y cómo se ha reprimido de varias maneras… Hablamos de la mujer maltratada, el cansancio femenino, la mujer madre, la mujer que limpia, que trabaja, que obedece… Es un homenaje a todas las mujeres que durante siglos han vivido oprimidas, y Mulïer se centra en la búsqueda de esta mujer que intenta quitarse todas estas capas para encontrarse con esta esencia más animal y libre. – Joan Santacreu, fundador de ‘Maduixa Teatre’

Pretenden investigar los límites físicos con la danza y el equilibrio, el movimiento y la poesía o la fuerza y las emociones.

Danza por las mujeres

Fuente: Maduixa creacions

Las mujeres son el punto de partida. El espectáculo nace de la necesidad de explorar la identidad femenina a través del juego corporal, haciendo hincapié en la imagen, la poética visual y la narración para llegar a la sensibilidad del espectador.

La calle, de alguna manera acerca el teatro a un público muy amplio. También un espectáculo en la calle da la oportunidad de ver espectáculos vivos a personas que seguramente no se plantearían ir a ver un espectáculo de danza a una sala. Puede ser el gancho para crear nuevos públicos y adentrarlos en el mundo del teatro o la danza. A veces, otras personas lamentablemente no se lo pueden permitir… Por eso, la importancia de representar en la calle. Es acercar la cultura y el arte de una manera abierta a la sociedad. -Joan Santacreu, fundador de ‘Maduixa Teatre’

Fuente y más información:

Valenciaextra.com

www.maduixacreacions.com 

#FairSaturday