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The Skate Room: inclusión social mediante el skate

The Skate Room es un proyecto de emprendimiento social que busca empoderar a jóvenes en riesgo de exclusión de países como Camboya, Afganistán o Sudáfrica. Todo a través del arte y el skate.

Todo empezó con Charles-Antoine Bodson. Este fanático del skate se ganaba la vida exhibiendo los skate que había coleccionado durante más 10 años en su galería de arte.  Un día recibió la visita de Oliver Percovich, un emprendedor que ayuda a integrar a niños en Afganistán mediante el skate a través de su ONG Skateistan.

Oliver le comentó que querían abrir un nuevo centro en Camboya. Pero, como suele ocurrir, necesitaban financiación. Bodson, enamorado del proyecto, vendió gran parte de su colección para recaudar y donar 100.000 dólares para la causa.

A raíz de esto nació The Skate Room. Un proyecto con el que se producen obras de arte hechas en skate para que se vendan en galerías de arte y sirvan para financiar proyectos sociales. Y es que, precisamente, The Skate Room es uno de los principales patrocinadores de Skateistan.

 

The Skate Room: de galerías de arte a la calle

Gracias a The Skate Room se financian los diversos de proyectos que Skateistan tiene en Afganistán, Camboya y Sudáfrica. Con sus programas, Outreach, Skate & Create, Back-to-School y Young Leadership forman a los niños en distintas disciplinas (arte, educación…) para que se conviertan en líderes que consigan un mundo mejor.  Actualmente, The Skate Room apoya a más de 1.500 niños de entre 5 y 17 años en riesgo de exclusión.

Para lograr este trabajo y abrir estas escuelas, ha hecho falta que The Skate Room venda muchísimas tablas. Esto ha sido posible gracias a la exposición de las tablas en distintas galerías famosas del planeta, como el MOMA (Museum of Modern Arts) de Nueva York. También han contado con artistas reconocidos como el artista disidente chino Ai WeiWei.

 

Siguiendo el camino

Gracias a estas pinturas sobre tablas de madera llamadas “skate”, miles de jóvenes en todo el mundo reciben educación. Y, por suerte, el movimiento sigue adelante. Y es que, actualmente The Skate Room y Skateistan están preparando la producción de un nuevo centro en Jordania, cerca del campo de refugiados Zaatari. Porque mientras haya personas en riesgo de exclusión, hay skates que vender.

Creative Growth: el centro de arte inclusivo más antiguo del mundo

El arte sirve para expresar lo que no podemos expresar con palabras. Eso, es algo especialmente importante para las personas con necesidades especiales. Y es que, las personas autistas o con diversidad cognitiva encuentran en el arte una buena herramienta para desarrollarse y expresarse.

 

Creative Growth: un método inclusivo innovador

Creative Growth es un centro de creación artística dirigido a personas con diversidad cognitiva.  Pero Creative Growth no es un centro cualquiera. Sus creadores Elias Katz y Florence Ludins-Katz, creían que las personas con necesidades especiales podían crear arte que merecía la pena ser colgado en museos y galerías.

Así, crearon el método de Creative Growth. En el cual ellos ayudan mediante talleres a las personas con necesidades especiales (o clientes, como prefieren llamarlos) a sacar y perfeccionar al artista que llevan dentro. Después, esas obras son colgadas y vendidas en distintas galerías, museos y colecciones privadas de todo el mundo.

 

El caso de Judith Scott

Que el desarrollo artístico mejora tu creatividad ya se sabe. Que alguien compre tu obra te motiva a seguir pintando, también. Pero no nos imaginamos hasta qué punto esto puede ser verdad.

En ese sentido, Judith Scott es un caso muy representativo de lo que el método Creative Growth puede conseguir. Esta chica sordomuda y con Síndrome de Down entró en Creative Growth a finales de los 80. Una chica que nunca había usado el lenguaje de signos para comunicarse.

Sin embargo, Judith encontró en el arte un método de expresarse. Tal ha sido su desarrollo artístico que  ha sido el epicentro de libros y una película.

Pero, más allá de convertirse en una artista famosa, lo más importante es que gracias al arte, Judith ha conseguido transformar su vida. Y, como la de Judith, Creative Growth ha conseguido potenciar la vida de muchas otras personas. Porque el poder de transformación del arte y la cultura no tienen límites. Y es que el Por eso es tan importante en la sociedad. Y por eso lo impulsamos desde Fair Saturday.

mARTadero: llenando Cochabamba de arte y cultura

El arte y la cultura son esenciales en la sociedad. Sin embargo, en algunos lugares es mucho más complicado desarrollarse artísticamente que en otros. Pero, por suerte, la creatividad siempre se hace paso a los problemas. Este es el caso de mARTadero, que pasó de ser un antiguo matadero a convertirse en uno de los viveros de arte más importantes.

 

De matadero a mARTadero

Tener un matadero en tu ciudad no es agradable. Y si ello acarrea problemas de salubridad pública… aún menos. Eso es lo que vivieron en Cochabamba de 1924 a 1992. Un matadero en la ciudad que dificultaba la convivencia vecinal.

Sin embargo, gracias a las protestas por los daños que causaba el matadero, consiguieron que este se trasladara a otro lugar, dejando tras de sí un edificio abandonado de 2.900m2.

¿Qué puedes hacer con un lugar así? A los artistas de Cochabamba se les ocurrió una idea. El matadero serviría como lugar para representar tus obras y piezas. Así, darían uso al antiguo matadero abandonado, logrando en el proceso un lugar donde expresarse artísticamente.

Tras varios años intentándolo, en 2004 la asociación NADA junto con el ayuntamiento de Cochabamba habilitaron el lugar. Así, lograron que el antiguo matadero acogiese la segunda edición de la CONART 2004. Ese fue, el primer paso de lo que hoy se conoce como mARTadero.

 

mARTadero: un lugar donde desarrollarse artísticamente

Desde 2004 mARTadero ha evolucionado. Hoy en día es un vivero de las artes. Un lugar para fomentar y apoyar las ideas artísticas tanto de Bolivia como de otros rincones del mundo. Un lugar donde expresarse.

Porque no siempre es fácil para los artistas encontrar en un lugar donde sean comprendidos, puedan intercambiar conocimiento y experiencias y puedan experimentar. Por suerte, en Cochabamba está mARTadero.

Desde Fair Saturday lo intentamos de otra forma, mediante un festival abierto para artistas… Pero, sin duda, aún hay mucho que hacer.

Theaster Gates: del museo a la calle

Ganarse la vida como artista es complicado. Si a eso le sumas la dificultad de ser discriminado por el color de tu piel, aún lo es más. Eso es lo que vivió y cambió la vida de Theaster Gates.

 

Theaster Gates: de las calles al museo

Este artista de Chicago intentaba vender sus cerámicas a las galerías de arte. Pero, como solo era un negro más, se debía conformar con vender sus obras en mercados ambulantes. Todo por el color de su piel.

Pero Theaster no estaba de acuerdo. Sabía que sus obras valían más. Así que decidió ocultarse, decir que sus cerámicas las había creado un artista japonés que se refugió en Estados Unidos. Esta historia, por falsa que fuese, le permitiría vender sus obras sin tener que ser juzgado por su color de piel.

Y surtió efecto. A los mismos coleccinistas que en un principio ignoraron sus obras, les encantó. Cuando desveló la tapadera, los coleccionistas quedaron impresionados de la creatividad con la que evitó ser juzgado. Así, logró ser expuesto en los principales museos de todo el mundo, amasando una gran cantidad de dinero.

 

Del museo a la calle

Pero eso no hizo que Theaster Gates cambiara de estilo de vida. Él siguió y sigue viviendo en uno de los barrios más marginales de Chicago y todo Estados Unidos. Y no solo eso, sino que, además, ayuda con su arte a salir adelante.

Con el dinero que obtiene de sus obras, compra y rehabilita las calles abandonas de los suburbios de Chicago, construyendo casas de acogida y fabricando muebles para las mismas.

Aunque transformar barrios y cambiar la vida de muchas personas a través del arte ya de por sí sea mucho, Theaster Gates va más allá. Y es que su historia y su activismo son una forma muy clara del racismo que se vive y de cómo las personas de barrios marginales también son capaces de hacer cosas increíbles.

The heArt Ambassadors: impulsando el arte inclusivo

Algunas personas creen no entender el arte… y menos aún el arte contemporáneo. Pero eso no tendría por qué ser así. Porque, el arte inspira, motiva, nos hace crecer y mejorar nuestras vidas. Esa es la filosofía que siguen The heArt Ambassadors, una organización que busca acercar el arte a toda la ciudadanía.

 

The heArt Ambassadors para para todos

Desde The heArt Ambassadors tienen una idea clara: el arte contemporáneo no es para grupos privilegiados de la sociedad. No. Todo el mundo puede (y debería) entender, el arte. ¿Por qué? Pues porque es una forma de expresarnos, abrir nuestra mente, pensar diferente.

Desde The heArt Ambassadors acercan el arte a todas las personas de la sociedad, centrándose, sobre todo, en los grupos en riesgo de exclusión. Para ello, los Heart Embassadors ponen a disposición, de forma altruista, su conocimiento e ilusión para que la gente descubra el arte.

 

Arte para asociaciones y ONGs

Pero, ¿cómo puedes acercar el arte a las personas en riesgo de exclusión? En este mismo blog, hemos visto muchas formas de acercar la cultur. Desde pintar en la calle para inspirar, como hace Let’s Colour, a enseñarlo directamente, como la Fundación Boteritos.

En el caso de The heArt Ambassadors, el enfoque es diferente. Esta organización colabora con ONGs y asociaciones para acercar la cultura a personas en riesgo de exclusión. Es decir, ofrecen su conocimiento a las organizaciones que quieran. Así, pueden llegar a muchas personas diferentes, con necesidades y entornos diferentes.

Proyecto Ruelas: cambia vidas a través del teatro

¿Puede el teatro ayudar a la vida de las personas? En el Festival Internacional Cervantino de México creen que sí. Por eso, crearon el Proyecto Ruelas, un proyecto creado con el objetivo de ayudar a las personas mayores de México.

 

Proyecto Ruelas: más allá de la pobreza

Muchas veces se entiende como persona desfavorecida gente que está en situación de pobreza. Pero no es necesariamente así. Hay personas que, sin estar en situación de pobreza están claramente desfavorecidas. Un ejemplo de ello son las personas mayores en Guanajuato.

En México hay más de 4,4 millones de personas mayores de 70 años, de los que el 27,9% dice haber sentido que sus derechos no han sido respetados por la edad.

A las personas mayores no se las escucha. Pero debería. Y el Proyecto Ruelas lo intenta mediante el teatro.

 

Un teatro para personas mayores

El Proyecto Ruelas busca atender las necesidades de las personas mayores a través del arte. Para ello, reconocidos directores colaboran junto con las personas residentes de los centros gerontológicos de El Cambio y Las Teresas, en Guanajauto.

De esta manera, los ancianos participan en actividades, se mueven y socializan a la vez que demuestran su valor en la sociedad y sus necesidades.

Se trata, pues, de usar el teatro como altavoz para las personas mayores.  Para que puedan decir al mundo cómo están. Para que se puedan mover y relacionar. Porque la gente mayor es mucho más útil de lo que las personas suelen creer. Y todo, gracias al teatro.

JR: cambiando el mundo mediante la fotografía

Todo empezó con 15 años. JR hacia grafitis en los tejados de París con sus amigos. Cada salida era una aventura. Cada grafiti era una muestra de que él había estado ahí.

Con la idea de guardar en la memoria esos momentos, JR empezó a fotografiar e imprimir sus salidas. Y ahí es cuando todo empezó. Y es que, con 17 años, empezó a hacer sus primeras exhibiciones, pero, en una galería totalmente diferente: la calle.

Sidewalk galley JR

Una de las galerías en la calle de JR.

En noviembre de 2005, las noticias se hicieron eco de “las revueltas multitudinarias en las calles de París”. Y ahí lo vio, el cámara enfocaba a una de sus obras realizada años antes. Una foto en la que aparecían conocidos suyos, con pinta desafiante, aunque en realidad no lo fuesen.

Imagen que se hizo eco en Francia, juzgando a las personas de la foto como alborotadores.

Así que, cámara en mano, se dirigió hacia esa misma gente para fotografiarlos. Pero, esta vez, de una forma diferente. Esas mismas personas pondrían caras de “bestias”, caricaturizando las palabras que recibían de los medios.

Esas fotos, las pegó por todo París, junto con el nombre y la edad de estas personas. La idea era que la gente se diese cuenta de que esas personas que estaban “demonizando” eran, en realidad, como ellos.

La exhibición surtió efecto. Los medios de comunicación se hicieron eco de las imágenes y, un año más tarde, se pegaron en el Ayuntamiento de París. Ahí es cuando JR se dio cuenta del poder que esconde una foto.

Desde entonces, JR ha viajado por todo el mundo, con diferentes proyectos, usando la fotografía como herramienta para ayudar a visibilizar las problemáticas sociales de cada territorio.

Por ejemplo, con el proyecto Face To Face, JR demuestra que no hay diferencia en las personas de Palestina e Israel. Para ello, coloca imágenes de palestinos e israelíes con la misma profesión uno al lado del otro en ambos territorios.

Obra de JR en Palestina

Una de las obras de JR en Palestina e Israel para demostrar que son iguales.

Con el proyecto “Women are heroes”  pretende empoderar a las mujeres en países en vías de desarrollo. Para ello, anima a que los hombres de países como Brasil, Camboya, Kenya o Sierra Leona, peguen fotos de mujeres por toda la ciudad.

Estos son solo algunos de los proyectos del artista JR, entre los que se encuentra Inside Out, del cual ya hablamos.

En definitiva, JR nos demuestra que la fotografía puede ser una herramienta para hacer el mundo más humano y conseguir, con ello, un cambio. Y es que,  el arte y la cultura tienen poder transformador, solo hay que enfocarlos de la manera adecuada.

Olafur Eliasson – Un pedacito del Ártico

Desde su visita al Ártico, a Olafur Eliasson le quedó muy vívido en la memoria el desgarrador sonido y avistamiento de los inmensos bloques de hielo rompiéndose y desmoronándose de su conjunto. El Ártico, señala Olafur Eliasson, es el guardián del desorden climático.

Desde hace años, esta región ha estado enviándonos señales que no podemos evitar más. La comunidad internacional debe escucharlas y convertirlos en actos.

A partir de esta experiencia Olafur creó #IceWatchParis, una pieza creada durante el COP 21 en Francia. Una Brújula de Hielo creada a partir de 12 bloques de hielo macizo organizadas en un círculo de 20 metros, las 80 toneladas fueron recolectadas como icebergs flotantes en Groenlandia y se fueron derritiendo del 3 al 12 de diciembre de 2015 en la ciudad de Paris.

Un círculo es como una brújula. Deja la navegación a cargo de los que hay en su interior. Es un error pensar que la obra de arte es el círculo de hielo; es el espacio que nos brinda en su interior.

Olafur de 51 años de edad es un artista reconocido en las disciplinas de fotografía, cine, esculturas, instalaciones y arquitectura. Sus obras más reconocidas incluyen The weather Project (Londres) vista por más de 2 millones de personas, The New York City Waterfalls (Nueva York) y Contact (Paris). Sus obras destacan por salirse de la galería y mostrar en la ciudad y en el mundo social su visión del mundo.

En palabras de Olafur Eliasson: «como artista espero que mi trabajo conecte con las personas. Lo que logra que algo que puede llegar a verse como abstracto pueda hacerse realidad. El arte tiene la habilidad de cambiar la percepción y la perspectiva del mundo y Ice Watch hace que los problemas climáticos a los que nos enfrentamos sean tangibles. Espero que inspire a un compromiso compartido para realizar acciones concretas.»

Danza para homenajear a las mujeres

Danza, emociones y poesía para homenajear a todas las mujeres.

La compañía valenciana Maduixa, inicia su trayectoria artística en Sueca (Valencia) en el año 2004. Sus valores: conjugar el teatro, la danza, las artes plásticas, las nuevas tecnologías, una cuidada puesta en escena y una sólida interpretación.

MULÏER es un espectáculo de danza sobre zancos interpretado por cinco bailarinas. Ganador de dos premios MAX, premio al Mejor Espectáculo de Calle y Mejor Composición Musical. Unos de los reconocimientos más importantes en el mundo de las artes escénicas.

Danza por las mujeres

Fuente: Maduixa creacions

Este espectáculo es un homenaje a todas las mujeres que durante siglos y siglos de opresión han luchado para mantener vivo su yo salvaje, y que reclaman su derecho de bailar y correr libremente por las calles y plazas de la sociedad.

Habla de la naturaleza instintiva de la mujer y cómo se ha reprimido de varias maneras… Hablamos de la mujer maltratada, el cansancio femenino, la mujer madre, la mujer que limpia, que trabaja, que obedece… Es un homenaje a todas las mujeres que durante siglos han vivido oprimidas, y Mulïer se centra en la búsqueda de esta mujer que intenta quitarse todas estas capas para encontrarse con esta esencia más animal y libre. – Joan Santacreu, fundador de ‘Maduixa Teatre’

Pretenden investigar los límites físicos con la danza y el equilibrio, el movimiento y la poesía o la fuerza y las emociones.

Danza por las mujeres

Fuente: Maduixa creacions

Las mujeres son el punto de partida. El espectáculo nace de la necesidad de explorar la identidad femenina a través del juego corporal, haciendo hincapié en la imagen, la poética visual y la narración para llegar a la sensibilidad del espectador.

La calle, de alguna manera acerca el teatro a un público muy amplio. También un espectáculo en la calle da la oportunidad de ver espectáculos vivos a personas que seguramente no se plantearían ir a ver un espectáculo de danza a una sala. Puede ser el gancho para crear nuevos públicos y adentrarlos en el mundo del teatro o la danza. A veces, otras personas lamentablemente no se lo pueden permitir… Por eso, la importancia de representar en la calle. Es acercar la cultura y el arte de una manera abierta a la sociedad. -Joan Santacreu, fundador de ‘Maduixa Teatre’

Fuente y más información:

Valenciaextra.com

www.maduixacreacions.com 

#FairSaturday

Una basura de arte

«En 2050 habrá más plástico que peces en el mar.» Foro Económico Mundial de Davos

«Según algunas estimaciones, el 99% de todas las aves marinas habrán ingerido algún tipo de plástico a mediados del siglo» Petter Malvik, Oficial de Comunicaciones del PNUMA

«El mundo tira más de ocho millones de toneladas de plástico al mar cada año.» Revista Science

«200 kilos de plástico se vierten al mar cada segundo.» Plásticos en el pescado y el marisco, Greenpeace

Basura en una playa de Oregón

Fuente: washedashore.org

Estamos rodeados de declaraciones, números y estadísticas que con luces de neón nos piden un cambio. Y sin embargo, por saturación, costumbre, indiferencia o incredulidad hacemos oídos sordos.

En este contexto, el arte tiene una forma de comunicar y de llegar a las personas que los números no tienen. El arte es una herramienta muy poderosa para educar y despertar consciencias.

Washed ashore

Un ejército de voluntari·s liderados por la artista Angela Hasseltine Pozzi tomaron la costa de Oregón en Estados Unidos para liberarla de toneladas de desechos de plástico y con ello crear enormes esculturas. Ese fue el día en el que Angela decidió dejar de comprar materiales para crear sus esculturas y utilizar única y exclusivamente la basura que encontrara en las playas.

Equipo de voluntarios de Washed Ashore

Fuente: whasedashore.org

Es así como nació Washed Ashore, un proyecto que nace con la vocación de reducir la contaminación de los mares a través de la creación artística y la educación.

El trabajo de la Fundación se basa en la participación de equipos de voluntari·s de la comunidad que limpian las playas de deshechos y basura que después limpian y procesan para dar comienzo al proceso creativo.

Angela Hasseltine y un equipo de artistas locales diseñan la escultura para poder crearla junto a su equipo, l·s voluntari·s y estudiantes de centros educativos de la zona.

Equipo de voluntarios procesando la basura

Fuente: washedashore.org

De las toneladas de basura que recogen surgen unas obras de arte únicas que nacen para abrir los ojos frente a la crisis que viven los océanos e inspirar un cambio en los hábitos de consumo de la sociedad.

La participación de voluntari·s es esencial para que el proyecto respire. Gracias a las más de 10.000 personas que han colaborado con Washed Ashore, en tan solo 6 años han limpiado cerca de 500km de costa, procesado más de 17.000 toneladas de basura que han convertido en 66 esculturas gigantes.

Escultura de tiburón hecha de basura

Fuente: washedashore.org

Estas esculturas contribuyen a la educación de l·s niñ·s visibilizando el impacto que tienen nuestros hábitos de consumo en el mar y en los animales que habitan en él. Por ello, Washed Ashore trabaja con centros educativos haciendo a sus estudiantes partícipes del proceso de creación de las esculturas.

Mi objetivo en la vida es quedarme sin negocio. Angela Hasseltine Pozzi

Como dice Angela Hasseltine, ojalá el centro de Washed Ashore tenga que cerrar su persiana al quedarse sin materiales para realizar sus esculturas. Ojalá que con la suma pequeñas acciones como ésta, logremos reducir e incluso eliminar las toneladas de basura que invaden nuestros océanos.

Y tú, ¿quieres formar parte del cambio?

#FairSaturday